The Rocky Horror Picture Show est une comédie musicale réalisée par Jim Sharman en 1975.

La voiture de Janet (Susan Sarandon) et Brad (Barry Bostwick), un jeune couple fraîchement fiancé, tombe en panne dans un petit chemin isolé. Avisant un château à proximité, ils s'y rendent dans l'espoir d'être secourus. Un domestique effrayant (Richard O'Brien) les fait entrer, propulsant Janet et Brad dans des festivités excentriques et inattendues auxquelles ils ne peuvent échapper. Bientôt, ils font la rencontre du maître des lieux, l'étrange Frank N Furter (Tim Curry). 

Le Rocky Horror Picture Show fait beaucoup d'allusions cinématographiques: Docteur Folamour de Stanley Kubrick (accent allemand et fauteuil roulant du Dr Scott, qui ne peut s'empêcher de faire le salut hitlérien), Nosferatu, dont le vampire inspira le personnage du domestique, ou Bande à part de Godard, dont la scène du madison est reprise par celle du Time Warp. La création de Rocky est bien entendu une parodie des multiples adaptations cinématographiques du roman de Mary Shelley : Frankenstein ou le Prométhée moderne. Lorsque Rocky grimpe la tour de la RKO avec Frank N Furter sur le dos, il faut y voir une allusion directe à King-Kong. Enfin, les tatouages « love » et « hate » sur les doigts du rockeur Eddie sont une allusion à Robert Mitchum dans La Nuit du chasseur.  Pour l'anecdote, le tatouage « 4711 » sur la cuisse droite de Frank fait référence à l'eau de cologne homonyme qui était très en vogue dans les années 1970 dans les milieux gays. L'histoire du film est censée se passer dans un des États conservateurs du centre des États-Unis pendant le scandale du Watergate, en novembre 1973. Quand Brad et Janet sont dans la voiture au début du film, on peut entendre à la radio le président Richard Nixon parler de sa démission. (Source: wikipédia) 

Barry Bostwick, qui interprète Brad, est également connu pour avoir joué le maire de New-York dans l'excellente série Spin City. A cette occasion, il lui arrivait de porter un pin's sur lequel était marqué "I Survived Rocky Horror" ("J'ai survécu à Rocky Horror"). Il s'agit bien sûr d'un clin d'oeil à son rôle dans le film, pas toujours très valorisant...

A l'origine, The Rocky Horror Picture Show était une comédie musicale très populaire de Richard O'Brien (le domestique dans le film). Transposé de la scène à l'écran en 1975, il fit un bide à sa sortie. Un cinéma de New-York commenca à le projeter à ses séances de minuit, ce qui eut pour effet de réunir un noyau dur de spectateurs complètement accros à cette parodie de science-fiction/film d'horreur. Il est peu à peu devenu l'objet d'un véritable culte dans lequel le public avait sa part d'action (les plus passionnés s'habillaient comme les personnages, et apportaient des accessoires, comme du riz qu'ils jetaient pendant la scène du mariage). Pour les amateurs, le Studio Galande à Paris (5e) est le dernier cinéma en Europe à proposer le Rocky Horror Picture Show en permanence chaque vendredi et samedi soir.

Inutile de disserter sur le scénario, il n'y en a (presque) pas. Ce n'est pas l'objet du Rocky Horror Picture Show. Adapté d’un spectacle à succès de Broadway, ce film revisite le thème de Frankenstein sur fond de comédie musicale décalée et érotique. Voire parfois quasi pornographique, mais sans que ce soit franchement vulgaire. Ce midnight movie (films à petit budget diffusés tard le soir) est un délire artistique célébrant le comique kitsch, le mauvais goût et les plaisirs de la chair. La nullité recherchée du film surprend par son résultat: c'est une réalisation désopilante. Nous sommes, certes, dans le registre de la comédie musicale et le genre peut ne pas plaire à tout le monde. Mais oubliez Grease et consorts, ici les acteurs sont transsexuels et chantent en bas résille. C'est une ode décalée à la perversion, à l'érotisme, et à tout ce qui peut heurter les sensibilités bien nées. Pour autant, pas sûr que les imbéciles qui y voient un appel à la tolérance aient raison, tant l'idée de "faire passer un message" semble absurde dans ce genre de réalisation dont l'objectif avoué est de se payer une tranche de rigolade. Objet non identifié entre science-fiction, oeuvre de série B et film d'horreur, il faut une sacrée dose de second degré pour apprécier. Avec un peu de bon sens, on comprend vite que ce n'est pas le film à regarder avec grand-mère. Les images choisies pour illustrer ces propos parlent d'elles-mêmes. Du grand n'importe quoi jubilatoire. 

Note: 18/20

Nosferatu est un film réalisé par Friedrich-Wilhelm Murnau en 1922, avec pour acteur principal Max Schreck.

En 1838, le jeune clerc de notaire Hutter (Gustav von Wangenheim) doit se rendre en Transylvanie pour conclure une transaction immobilière avec le Comte Orlok (Max Schreck). Sa jeune femme Ellen (Greta Schroeder) est très inquiète de ce voyage, mais le laisse partir. Hutter ne tarde pas à réaliser que le Comte Orlok est en réalité Nosferatu, vampire se nourissant du sang de ses victimes. Mais celui-ci, tombé par hasard sur un portrait d'Ellen, est décidé à acheter le bâtiment proposé par Hutter, situé juste en face de la maison du couple. Lors de son voyage, Nosferatu répand la terreur sur son passage.

Ce film est inspiré du roman de Bram Stoker Dracula publié en 1897. Il est connu pour être l'un des plus singuliers du cinéma muet. Murnau a été aidé par le fait que le livre semblait prêt à être adapté au cinéma: il est en effet peu prolixe en dialogues, mais riche en descriptions, ce qui correspond parfaitement au mode de narration visuel du cinéma muet.

De nombreux réalisateurs s'inspirent encore aujourd'hui de cette adaptation, ou lui rendent hommage, à l'instar de Tim Burton dans Batman, le défi dans lequel le personnage incarné par Christopher Walken s'appelle Max Schreck. Plus récemment, L'Ombre du vampire fut réalisé en 2000, traitant des coulisses de tournage du film, et mettant en avant les rumeurs que Max Schreck serait un véritable vampire...

Nosferatu est la première adaptation de Dracula mais était illégale à l'époque, Murnau n'ayant pas acheté les droits à la veuve de Bram Stoker. Cela lui valut de nombreux démêlés judiciaires, qui ne prirent fin qu'à la mort de Florence Stoker.

De nombreuses voix se sont élevées pour mettre en lumière la dimension politique et sociale de Nosferatu. Pour certains, le long métrage, tourné juste après la Première Guerre mondiale, préfigurerait ainsi les horreurs nazies à venir. Pour d'autres, Nosferatu serait au contraire une oeuvre antisémite. Le débat critique fit ainsi rage lors de la sortie du film (source: allocine). Il existe même des interprétations parfaitement imbéciles penchant pour la thèse que Murnau a voulu dépeindre un

Friedrich-Wilhelm Murnau a utilisé des filtres de couleurs pour son film. De fait, la pellicule possède une teinte jaunâtre et une teinte bleutée censées représenter les couleurs du jour et de la nuit. Il a même utilisé un filtre rosé pour l'aube. On peut en voir une illustration sur les photos et sur l'extrait vidéo de cet article.

Scènes intéressantes: Nosferatu se levant avec raideur de son cercueil et déambulant dans le château, jetant des ombres effrayantes sur son passage. Ainsi, bien entendu, que la scène finale.

L'oeuvre de Bram Stoker représentait une histoire reposant sur le conflit éternel entre lumière et obscurité; il n'était donc pas illogique d'en adapter une version au cinéma muet, lequel ne dispose presque exclusivement que de ces deux effets. Murnau a ainsi accouché d'une oeuvre expressionniste dégageant un certain contraste visuel selon l'état d'esprit des personnages principaux.

Pour dire un mot des acteurs il suffit de souligner que Max Schreck porte le film à lui tout seul; il est d'ailleurs amusant de relever que son nom signifie "terreur". Son jeu se développe tout en finesse: très économe de ses mouvements, les contractions de son visage ne s'en révèlent pas moins extrêmement convaincantes.

A son image, le film est intelligemment construit, développé en cinq actes conduisant graduellement le spectateur du suspense à la frayeur. Il faut en effet reconnaître que Murnau s'illustre particulièrement par sa réussite dans l'art de distordre la réalité: soit en utilisant des filtres soit en trichant avec le temps (accélérés récurrents), ou encore en jouant avec les effets de profondeur (jeux d'ombres). Murnau crée ainsi une ambiance claustrophobique et arrive à donner un effet absolument irréel aux évènements, mais aussi aux décors naturels. La scène finale renforcée par l'utilisation de filtres de couleurs est véritablement remarquable, baignée de terreur et de poésie. A l'époque, donc, on pouvait considérer ce film comme une petite prouesse de réalisation. Malheureusement le film a terriblement vieilli. C'est assez normal, lorsqu'on garde en mémoire sa date de sortie: 1922 (date de l'exécution de Landru). Mais, malgré toutes ses qualités, on lutte un peu contre l'ennui tant certaines séquences sont lentes. Nosferatu est donc un film qui s'analyse plus qu'il ne se regarde. A ce titre, il serait dommage de passer à côté sous prétexte que c'est une oeuvre muette et parfois un peu trop éthérée, mais il faudrait être très indulgent pour être complètement enthousiasmé.

Note: 13/20

(L'extrait vidéo représente les dernières minutes du film. Tout le monde connaissant la fin, j'ai pensé que ce n'était pas gênant, sauf si vous tenez absolument à ne pas voir cette scène avant de regarder l'ensemble du film.)

Le Corniaud est un film réalisé par Gérard Oury en 1965, avec Louis de Funès et Bourvil.

Sur le point de partir en vacances, Antoine Maréchal (Bourvil) est victime d'un accident provoqué par Léopold Saroyan (Louis de Funès). Ce dernier profite alors de l'occasion pour proposer à Maréchal d'emmener une de ses voitures de Naples à Bordeaux. Maréchal s'empresse d'accepter.                                             

Mais il ignore que la voiture, suivie de près par Saroyan, recèle en ses flancs de l'or, de l'héroïne, et le "you koun-koun", le plus gros diamant du monde.                                                 

Bientôt, une bande rivale projette de la récupérer par tous les moyens.                                                                    

Le Corniaud fait partie de ces films si appréciés, qu'il y a foison d'anecdotes de tournage*.

• Après la projection des rushes des deux premières semaines de tournage, de Funès trouvant qu'il n'était pas assez présent à l'écran fera une « grève du masque » pendant près de 24 heures. Oury imagine alors la célèbre scène de douche, où l'acteur compare sa musculature avec celle d'un « grand balèze », l'ex-catcheur Robert Duranton. L'idée lui est inspirée par une rencontre étonnante faite lors d'un voyage en Italie «  ... j'avais rencontré à Capri un couple étrange, lui : un homo maigrichon américain, ridaillé mais milliardaire, elle : un colossal biquet français culturiste ! L'opposition physique entre ces deux êtres dépassait les limites de la bouffonnerie ».
• L'aventure de La Grande vadrouille commence ... sur le tournage du Corniaud où Gérard Oury raconte aux deux comédiens le scénario du film à venir.
• La 2CV était équipée de 250 boulons électriques afin qu'elle se disloque au moment voulu. Cette scène, la dernière tournée le 7 décembre 1964, fut peut-être inspirée à Oury par sa « rencontre » cinématographique avec Bourvil  sur le tournage du Miroir à deux faces. Dans ce film dramatique d'André Cavatte réalisé en 1958, Bourvil au volant de sa 2CV est percuté par Gérard Oury, acteur mais aussi co-scénariste du film, au volant d'une grosse américaine.
• Lorsque Bourvil/Maréchal dit « elle va marcher beaucoup moins bien, forcément », juste après l'accident de la 2CV, on voit de Funès baisser la tête pour rire. Cette réplique n'était pas prévue et cette scène aurait difficilement été rejouable, ce qui aurait du être le cas si de Funès n'avait pas eu la présence d'esprit de se dissimuler le visage. On remarque également qu'au moment où la 2CV de Bourvil se disloque, ce dernier tire plusieurs fois sur le volant pour qu'il se décroche de son axe et ainsi assurer le gag et surtout la continuité de la scène.
• 
• Le scénario du Corniaud s'inspire de la mésaventure d'un présentateur de la télévision française, Jacques Angelvin, qui fut arrêté aux États-Unis en 1962 au volant d'une Buick provenant de France et dans laquelle plus de cinquante kilogrammes d'héroïne pure avaient été dissimulés. Lors de son arrestation, la voiture ne contenait plus la drogue et Angelvin clama d'abord son innocence en prétendant avoir été dupé, d'une manière semblable au héros du Corniaud. Il fut pourtant prouvé que la voiture du Français avait bien servi à transporter la drogue depuis Marseille jusqu'aux Etats-Unis et qu'il avait touché dix mille dollars pour cela. Plaidant coupable lors de son procès, le présentateur de Paris-Club fut incarcéré pendant cinq ans. Cette arrestation est un des épisodes du démantèlement de la « French connection».
• Le cachet de Bourvil pour ce film est trois fois plus important que celui octroyé à de Funès.
• La Cadillac conduite par Bourvil est un modèle Eldorado1964.
• N°1 au box-office en 1965 : 11,74 millions d'entrées.
• Lors du Festival de Cannes 1965, Oury et son producteur se voient proposer par des américains de réaliser et produire un remake avec Dean Martin et Jack Lemmon. Malgré une offre importante (« Budget doublé, salaires versés en Suisse promesses de deux autres films dans les cinq ans »), les Français ne donneront pas suite.

(*Source: wikipédia)

Cette comédie bien franchouillarde précède de peu l'énorme succès que fut La Grande vadrouille.

Louis de Funès et Bourvil s'étaient déjà brièvement rencontrés dans la Traversée de Paris, mais bien furtivement. Cette fois, un film entier leur est consacré. Résultat: un sommet du rire.

Certaines répliques sont aujourd'hui connues de tous: le "Elle va marcher beaucoup moins bien maintenant, forcément" de Bourvil, précédé du "Quoi, quoi? Qu'est-ce qu'il y a? C'est pas grave, qu'est-ce qu'il y a?" de de Funès...).

Il n'y a pas grand chose à ajouter à la prestation de ces deux géants de l'humour.

Pour ceux qui aiment, recommandons également La Folie des grandeurs, avec de Funès et Montand.

Note: 17/20