Le Voyage dans la Lune est un film de Georges Méliès, réalisé en 1902.

A l'occasion d'un colloque d'astronomie, le professeur Barbenfouillis (Georges Méliès) propose à ses confrères d'organiser une expédition sur la lune. Son idée est de s'y faire envoyer à l'aide d'un canon géant.
Une fois arrivés sur place, les savants découvrent que la lune est habitée par une population locale, les Sélénites.
Hélas, ceux-ci ne semblent pas très accueillants.

Le Voyage dans la Lune est le premier film sur la liste du patrimoine mondial du cinéma, reconnu aussi comme le tout premier film de science-fiction par l'UNESCO.
C'est l'adaptation du roman de Jules Verne "De la Terre à la Lune".
Il marque une importante étape dans l'histoire du cinéma, pour plusieurs raisons.
- Tout d'abord, c'est le premier film à manifester une certaine démarche artistique. Les frères Lumière avaient réalisé "La Sortie de l'usine Lumière à Lyon" sept ans auparavant, mais il est difficile de lui conférer la nature de spectacle cinématographique. En effet, si Méliès s'intéresse à la fiction, les frères Lumière s'en tenaient alors à l'enregistrement pur et simple de la réalité.
Avec le Voyage dans la Lune, Méliès signe une oeuvre cinématographique féérique.
- De plus, il faut savoir que c'est le tout premier film qui comporte des effets spéciaux. Puisant dans son passé de prestidigitateur, Méliès en est en effet l'inventeur exclusif.
- Enfin, l'autre originalité du Voyage dans la Lune tient à sa longueur (une dizaine de minutes), comparée aux bobines de deux minutes réalisées à la même époque.

Le Voyage dans la Lune est une illustration du cinéma balbutiant des années 1900.
Provoquant une vraie révolution en 1902, cette oeuvre est influencée par le passé de magicien de Georges Méliès, qui expérimente certaines techniques cinématographiques aujourd'hui très employées (fondus, effets spéciaux, astuces de montage, etc.)
A l'époque où le cinéma des frères Lumière décrit surtout la vie réelle, Méliès nous offre une oeuvre légère à des fins exclusives de divertissement.
Ce film est un des jalons de l'histoire du cinéma. Amusant, féerique, novateur, il faut le visionner respectueusement, avec l'indulgence liée à son âge (108 ans!). Et garder en tête que cette petite oeuvre d'apparence anodine a, par ses avancées, influencé le genre tout entier.

Note: 20/20

(Film muet, il existe de nombreuses versions sur lesquelles du son a été ajouté. Voici l'une d'elles.)

Casque d'or est un film réalisé par Jacques Becker en 1952, avec Simone Signoret et Serge Reggiani.

Belleville, 1898.
Marie, surnommée Casque d'or (Simone Signoret), fait la rencontre du menuisier Manda (Serge Reggiani) dans un bal populaire. Les deux jeunes gens tombent instantanément amoureux.
Mais l'amant de Marie (William Sabatier) qui appartient à une bande de voyous provoque Manda et l'oblige à se battre. A l'issue du combat, il est tué d'un coup de couteau.
Leca (Claude Dauphin), patron de la bande dont il faisait partie, tend alors un piège au jeune couple afin d'évincer Manda et de devenir l'amant de Casque d'or.

Le sujet de ce film est tiré d'un fait divers: le conflit, vers
1900, entre deux bandes rivales au sujet de la fameuse Casque d'or.
Je vous invite d'ailleurs à aller regarder la page wikipédia sur Amélie Elie (son vrai nom).
Les amours de Manda et de Casque d'or - "un petit chat de gouttière et une belle plante carnivore", dira Truffaut- ont fini peu à peu par conquérir tous les publics, malgré l'échec du film à sa sortie.

Ce Paris des Apaches (petits truands de Belleville) est merveilleusement reconstitué.
On se promène avec insouciance à travers les rues de Belleville, les bals populaires et les petits estaminets de la Belle Epoque.
Signoret et Reggiani développent un jeu exceptionnel, et se consumment dans leur passion destructrice avec crédibilité.
Casque d'or a pourtant été un échec, malgré l'enthousiasme d'une partie de la critique.
Certains y trouvent une explication dans la construction iconoclaste du film, pour l'époque: refus de développement psychologique au profit de l'action, linéaire et sans artifices.
Aujourd'hui, il s'impose comme un pilier du cinéma français, en raison notamment de la beauté plastique de ses images et du réalisme des comportements de Signoret et Reggiani.
Le tout baigne dans cet univers poétique qui inspira plus tard Renoir dans "French Cancan" et Truffaut dans "Tirez sur le pianiste".
Une réussite. Un classique à ajouter à la liste des films incontournables.

Note: 16,5/20

La Soif du mal est un film d'Orson Welles sorti en 1958, avec Orson Welles, Charlton Heston et Janet Leigh.

L'explosion d'une voiture piégée dans la petite ville de Los Robles, frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique, conduit le policier Hank Quilan (Orson Welles) à s'emparer de l'enquête. Vargas (Charlton Heston), son homologue mexicain en voyage de noces, s'oppose aux méthodes peu orthodoxes de Quilan. Mais ce dernier n'a pas l'intention de modifier son comportement, et lui garde rancune de ses remises en cause.
Vargas et sa femme (Janet Leigh) se trouvent alors pris en tenaille entre une police corrompue et le caïd local mis en danger par l'enquête du policier mexicain.

Ce film a connu plusieurs versions de montage. Une première version tournée par Welles, une seconde avec des scènes supplémentaires tournées par un autre réalisateur. Et enfin, une version restaurée tenant compte des observations d'Orson Welles.
Ces scènes supplémentaires répondaient au désir d'Universal de modifier la première version dont elle était peu satisfaite. Aujourd'hui néanmoins, aura du réalisateur oblige, c'est la version entièrement réalisée par Orson Welles qui est privilégiée.
Comme souvent dans ses films, Welles tient également le rôle d'acteur. Mais ceux qui auraient gardé le souvenir de Citizen Kane seront surpris, tant il est méconnaissable. Bouffi et vieilli de 18 ans, maquillé à l'extrême pour lui donner une mine patibulaire, il n'a plus grand chose à voir avec le Charles Foster Kane de 1940.
Le film a été tourné en un mois et demi (18/02/57 au 02/04/57), ce qui est très peu pour un long métrage.
Il est tiré d'un roman de With Masterson, qu'Orson Welles n'aurait même pas lu, se contentant de parcourir le scénario et de le réecrire à sa sauce.
La scène du motel préfigure assez nettement la scène mythique de Psychose, dont Hitchcock s'est d'ailleurs peut-être inspiré.

Film intéressant, La Soif du mal souffre néanmoins d'un scénario assez confus.
La première partie est exagérement lente, tandis que la seconde partie se révèle un peu trop maladroite pour fasciner.
La faute est peut-être à chercher du côté du montage qui, bien que se voulant fidèle aux directives d'Orson Welles, n'en constitue cependant pas la reproduction exacte (le début du film prévient d'ailleurs que cette version est handicapée d'imperfections, mais qu'Universal a fait de son mieux...).
L'intrigue est intéressante, l'ambiance oppressante, mais la sauce ne prend pas vraiment.
Soulignons néanmoins l'extraordinaire jeu d'acteur d'Orson Welles. Monstrueux de malhonnêteté, parangon de débauche, défiguré par l'alcool, c'est un vrai plaisir de le voir intérpréter l'horrible Hank Quilan.
De bonnes choses, donc, mais on reste sur sa faim.
C'est, bien entendu, une opinion très subjective puisque beaucoup parlent de La Soif du mal comme d'un chef d'oeuvre.

Note: 12/20